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Ricardo Darín en la 67SSIFF: “La capacidad principal de los argentinos es la de renacer todo el tiempo”

La odisea de los giles”, adaptación de la novela “La noche de la Usina” (Eduardo Sacheri, 2016), llega a la 67 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián como una Proyección Especial (fuera de concurso) de la Sección Oficial.

Ricardo Darín presentando La Odisea de los Giles en el teatro Victoria Eugenia

La película toma de contexto un episodio tan dramático para la sociedad argentina como el corralito de 2001. En palabras de uno de sus protagonistas, y más que habitual en el festival donostiarra, Ricardo Darín: “Lo que ocurrió en aquel momento, más allá de que no fue muy investigado a posteriori, está grabado en el ADN de todos nosotros. No fue sólo un problema económico-financiero. Se han perdido vidas. Se han modificado familias con gente auto-exiliada para buscarse fuera una nueva vida. El dolor acumulado es muy grande”. No obstante, también se muestra esperanzado: “Los argentinos tenemos una gran gimnasia de atravesar crisis, sobrevivirlas y volver a renacer. Quién sabe si no será esa nuestra característica principal: renacer todo el tiempo. De todos modos, somos un pueblo con mucha esperanza y esperamos aprender de los errores cometidos, si es que los hemos cometido nosotros, y poder avanzar”.

Pese a este trasfondo, la película, que no deja de ser en esencia una “peli de atracos” al estilo Ocean’s Eleven (Steven Soderbergh, 2011, USA) pero con unos personajes menos glamurosos, más “giles” (o “pardillos” como se traduciría a jerga castellana), está repleta de buenas dosis de humor. El director Sebastián Borensztein explicaba al respecto que “más que proponernos hacer una comedia, nos propusimos contar una historia que tiene un contexto muy dramático pero con la premisa de que aquel lugar en el que pudiera caber el humor, lo explotaríamos al máximo”.

El equipo de la película tras la proyección en el teatro Victoria Eugenia

La 67SSIFF arranca con el franquismo como telón de fondo

Acaba el primer fin de semana de esta 67 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián con un balance muy positivo entre las cintas que compiten en Sección Oficial por la Concha de Oro. A la cabeza, con una excelente y ciertamente esperada acogida de crítica y publico, “La trinchera infinita”, de los directores de Handia y Loreak, y con un reparto encabezado por Belén Cuesta y Antonio de la Torre, que levantaron al K1 en la sesión de ayer por la noche. Arrancando en un pueblo andaluz que podría ser cualquiera en plena Guerra Civil española, la película narra el auto encierro, desde el único punto de vista del “topo” Higinio, encarnado por De la Torre, durante más de 30 años por temor a represalias. De hecho, en palabras de uno de sus propios directores, “la película es una alegoría al miedo”.

Equipo de La trinchera infinita recibiendo los aplausos del público tras la proyección

Con peor acogida, y no exenta de cierta polémica, comparte contexto histórico la muy esperada “Mientras dure la guerra” de Alejandro Amenábar. Pedagógica y cargada de simbolismo, resulta una película necesaria para unas generaciones, en las que se autoincluye el propio director, que desconocen los detalles de este episodio de nuestro pasado reciente.

Fotograma de la película Mientras dure la guerra

La película escogida por el certamen para inaugurar la Sección Oficial ha sido “Blackbird”, un remake de la danesa “Stille hjerte” cuyo guionista Christian Torpe ha adaptado ahora al público americano. La película original de 2014 ya se presentó en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián e incluso fue galardonada con la Concha de Plata a la mejor actriz para Paprika Steen. Ninguno de los actores del remake ha querido ver la película original de 2014 para no “verse influidos por las decisiones de otro actor”. En este caso es Susan Sarandon la que que encarna a una madre a la que diagnostican esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y decide acabar con su vida antes de que la enfermedad empeore, con la ayuda de su marido encarnado por Sam Neil y el consentimiento de sus hijas Jennifer (Kate Winslet) y Anna (Mia Wasikowska).

Fotograma de la película Blackbird

La directora de la franco-alemana “The Audition” profundiza, sin juzgar, en los conflictos interiores de una mujer repleta de inseguridades y en búsqueda constante de la aprobación de los demás, y lo hace desde la perspectiva de la protagonista, incapaz de empatizar con el sufrimiento que genera en los que la rodean en el ámbito personal pero también en el profesional, donde como profesora de música proyecta su perfeccionismo patológico en uno de sus alumnos

Mano de obra”, una ópera prima de bajo presupuesto y con un reparto no profesional sobre un grupo de familias “paracaidistas” (como se les llama en México a quienes ocupan ilegalmente una casa “sin propietario” para luego reclamarla), es la primera sorpresa de la Sección Oficial según el criterio de la prensa. Habrá que esperar a ver si el público comparte ese aprecio por esta sencilla historia, de cierto aspecto amateur y con algún altibajo en el pulso narrativo.

Fotograma de la película Mano de obra

En “Proxima”nos acercamos a la mente de una madre con dos grandes pasiones: su carrera como astronauta y su hija Stella. Se trata de una película feminista que narra los dilemas de la conciliación laboral y la discriminación machista que debe afrontar la protagonista tras ser aceptada para ingresar en la próxima misión a Marte. El film tiene cierta vertiente documental y es que todo el proceso de entrenamiento se ha rodado en las instalaciones reales tanto de la Agencia Espacial Europea en Colonia como en el centro de preparación Star City cerca de Moscú sin utilizar modelos ni reconstrucciones, los lugares donde los astronautas de nuestro tiempo se preparan para viajar al espacio.

La cinta china “Lhamo and Skalbe” entra en Sección Oficial bajo el propósito de completar la muestra del cine que se está creando en estos momentos a nivel global, pero pasará desapercibida más allá de eso. La película narra la historia de un marido que para poder casarse debe anular un matrimonio de conveniencia anterior.

Arregi, Garaño y Goenaga en la 67SSIFF: “Lo que sucedió en España hace 80 años tiene un reflejo clarísimo hoy en día”

El trío de directores vascos presentaba a concurso en la Sección Oficial de la 67 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián el film “La trinchera infinita” como “una alegoría sobre el miedo y sobre cómo puede condicionar el comportamiento de los individuos”. Alejándose de cualquier atisbo de discurso político, pero sin dar la espalda al contexto en el que transcurre la historia, la cinta pretende “crear un diálogo entre el pasado y el presente, traer todo lo que sucede en la película para que el espectador de hoy en día entienda que le apela algo y la complete de algún modo”, decía uno de los codirectores Aitor Arregi, cerrando con la cita “las ropas cambian pero las inquietudes humanas son eternas”. Y es que según Arregi, “lo que sucedió hace 80 años tiene un reflejo clarísimo hoy en día”.

Jon Garaño y Aitor Arregi durante la rueda de prensa de La Trinchera Infinita

Tomando el relevo del documental “30 años de oscuridad” (producido también por La Claqueta en 2011), que descubría la figura de los “topos” tras la guerra civil española, la película narra, desde el punto de vista del encerrado, del topo, la historia de un matrimonio, pero también la de un país como telón de fondo. No en vano, Jose Mari Goenaga reconocía que “nos pudimos beneficiar de todo el trabajo de documentación que había hecho la productora para el documental, y nos basamos en hechos reales para construir unos personajes ficticios que nos permitían llevar el relato hacia donde queríamos“.

Antonio de la Torre y Belén Cuesta durante la rueda de prensa de La Trinchera Infinita

Otro de los aspectos mejor tratados, a pesar de dificultar en cierta medida la comprensión de los diálogos, es el acento andaluz. Los propios actores protagonistas, sevillana y malagueño, hablaban sobre ello. Belen Cuesta decía que “era uno de los miedos que teníamos, e hicimos un trabajo muy minucioso, contando como asesores incluso con gente de los pueblos de la zona, y no sólo para replicar el acento sino para incorporar expresiones, porque queríamos que se percibiese una honestidad, fundamental para contar la historia”.  Antonio de la Torre continuaba bromeando: “¿y si no se nos entiende? Bueno, como vamos al Festival de San Sebastián, igual con un poco de suerte pues que nos subtitulen”. A este respecto, el coproductor Olmo Figueredo parafraseaba a un compañero andaluz reconociendo que “es curioso que hayan tenido que venir tres directores vascos para hacer el tratamiento más bonito que se ha hecho hasta el momento de la lengua andaluza”.

Preguntados sobre las referencias del film, Goenaga afirmaba que “películas de Polanski como “La semilla del diablo” o “El quimérico inquilino” estuvieron muy presentes durante la escritura del guión, al menos en la manera de compartir el punto de vista del protagonista y en no saber si lo que se está viendo es su imaginación o la realidad”. Para Arregi, también reconoce cierta influencia de Wong Kar-wai y su “In the Mood for Love” durante la fase de realización a la hora de decidir los encuadres, “de lo que se ve y lo que no se ve”.

Alejandro Amenábar en la 67SSIFF: “Quiero confrontar al espectador con el problema que tenemos en este país con nuestra identidad y decirle: esto es lo que hay, ¿qué hacemos a partir de ahora?”

¿De verdad nos queremos meter en esto? Mira, si Miguel de Unamuno fue capaz de levantarse aquel día en el paraninfo, qué menos que nosotros hacer esta película”. Así recordaba Alejandro Amenábar una charla con su productor Fernando Bovaira una vez que movistar+ confirmó su apoyo al film, presagiando el terreno pantanoso en el que se estaban adentrando. Y efectivamente así ha sido, “Mientras dure la guerra” ha generado debate, y no precisamente en el plano artístico. Pero como dice el director, “cuando haces una película tienes que ir preparado para todo, porque en eso consiste hacer películas. Tú las haces y la gente opina. Yo lo que puedo decir es que la he preparado a conciencia y la he escrito en conciencia”.

Alejandro Amenábar durante la rueda de prensa de “Mientras dure la guerra”

A pesar de la cita, a Amenábar no se le ocurre compararse con el escritor de la generación del 98. “Era un gran pensador de España que cuestionaba todo lo que veía, una especie de mosca cojonera brillante, inconformista siempre”, describe el director, que continúa reconociendo que “donde sí me llego a identificar con el personaje es en ese momento, que me parece absolutamente conmovedor, en el que cobra consciencia de que no estaba siendo consecuente, y elige el momento más inoportuno para poner un poco de coherencia en su vida. Y ante esto me pregunto, como persona pública, ¿yo qué habría hecho en ese momento?, ¿me habría atrevido a hacer lo mismo? Seguramente no”.

Confesiones aparte, la película, que llevaba en un cajón desde que fuera escrita hace tres años, es una clara alusión a nuestro presente y, con el fascismo como telón histórico, pretende llamar la atención sobre el repunte de los extremismos políticos, ante los cuales el propio director no tiene problemas en posicionarse: “esas posturas faltas de respeto a mí personalmente me inquietan bastante”. Según Amenábar, “soy de naturaleza optimista, pero si la película ya era pertinente, o inoportuna, hace tres años, en el momento político actual en el que se estrena es aún más pertinente, o más inoportuna”.

De hecho, llama la atención la coincidencia con el estreno de otra película con la que comparte temática, “La trinchera infinita”, que por cierto también compite en Sección Oficial en esta 67 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Amenábar le encuentra una posible explicación. “Creo que se debe a un salto generacional. Yo en los 80 era un crío. A Unamuno sí lo había estudiado en el bachillerato. Sin embargo me di cuenta que nuestra generación ha pasado de puntillas por la historia de la Guerra Civil. Opino que es bueno para un país conocer su historia, porque cuanto más rascas en esa historia, más conexiones encuentras con cosas que pueden volver a pasar. Y a partir de ahí entiendo que de pronto una nueva generación de creadores ponga foco de atención sobre unos acontecimientos que fueron terribles y que no son tan lejanos en el tiempo”.

Fotograma de la película “Mientras dure la guerra”

Ahondando en ese proceso de descubrimiento de nuestra historia reciente, el director señala los episodios que más le sorprendieron durante el trabajo de documentación, y que ha convertido en algunas de las escenas más icónicas de la película, empezando por la frase que le da título, que “es parte de un documento importantísimo por el que Franco se convierte en el jefe de todo esto, y la manera en que despareció, de auténtico thriller político”. “Todo lo que iba descubriendo me sorprendía, como que al menos una facción de los militares no se levantase contra la República sino contra un gobierno específico de la misma, o como que inicialmente la bandera republicana siguiese ondeando en el cuartel de Franco, o su jugada a fin de conseguir más apoyos para su objetivo de ascenso al poder reemplazando esa bandera por la monárquica, de donde por cierto creo que vienen muchos de los problemas que tenemos en España hoy en día con nuestra identidad”.  Y aquí vuelve a pinchar hueso: “algo que ha ido reforzándose mientras hacíamos la película es esa idea de que en este país tenemos un problema con nuestra identidad y con nuestros símbolos. Por eso era importante para mí confrontar al espectador con la bandera o con el himno, y con esas secuencias decirle: esto es lo que hay, ¿qué vamos a hacer a partir de ahora?”.

Para respaldar esta declaración de intenciones, Bovaira señala que “en esta película era fundamental acercarnos a la verdad de los hechos históricos sin ningún tipo de frivolidad ni licencias dramáticas. En ese sentido, el trabajo de documentación ha sido muy exhaustivo y hemos contado con asesores históricos y militares”. Concretamente en lo que respecta a la escena final en el paraninfo, que es la que ha generado más polémica sobre qué parte es realidad y qué ficción, Amenábar reconoce que “yo he intentado leerme todo lo que hay escrito sobre este episodio, y creo que realmente no es tan difícil acotar desde un punto de vista detectivesco qué es lo que se dijo y, aunque no coincide necesariamente con lo que aparece en la película, sí hemos intentado ser fieles al espíritu de lo que estaba pasando y sobre todo ser muy cuidadosos con las frases que dice cada personaje. En cualquier caso, una cosa que me quedó muy clara después de leer todo el material, es que el señor Unamuno la lió parda”.

En el trabajo interpretativo de Santi Prego también se apoya gran parte de la credibilidad del film. No en vano, el actor comparte que “la preparación del personaje de Franco implicó seis meses trabajando con Alejandro, sobre todo tratando de encontrar “la voz”. En la voz estaba la máscara del personaje”. Según el director, “queríamos jugar de partida con todos los elementos aparentemente ridículos que tenía Franco, como su vocecilla, sus problemas de dicción, su timidez, su falta de modos de mando,… porque forman parte de un personaje que de entrada desconcierta, e ir viendo cómo a pesar de esa apariencia de “mosquita muerta”, su gran tesón que le ayudaba a sobreponerse a esos elementos acaba convirtiéndole en alguien que no genera la mínima sonrisa. Pero a la vez también queríamos profundizar en el personaje de Franco, entrar en su cabeza y, humildemente, tratar de conseguir la versión más seria interpretada hasta la fecha”.

Eduard Fernandez en la película Mientras dure la guerra

Sensacionales también los trabajos de Karra Elejalde y Eduard Fernández, encarnando a personajes con los que llegaron a empatizar e incluso entender, dejando de lado cualquier tipo de juicio que les impediría hacer su trabajo. Elejalde bromeaba al respecto: “Mi cerebro es de izquierdas pero mi cuerpo es de derechas. Es decir, soy vago. Para mí ha sido todo muy cómodo en ese sentido porque ya contaba con que Alejandro se documentaría perfectamente y me contaría lo único que realmente me interesaba a mí, que es lo que decían de Unamuno. Yo no me dedico ni me tengo que preocupar de “equidistancias””.

Nuestro Top #66SSIFF

Nuestro ranking de las mejores películas que hemos visto durante la 66 edición del Festival de Cine de San Sebastián. Esto incluye toda la Sección Oficial y alguna que otra de Perlak, New Directors y Horizontes latinos.

En este ranking incluimos las mejores películas (obviamente según nuestro criterio subjetivo) entre las más de 30 películas que hemos visto durante la 66 edición del Festival de Cine de San Sebastián. Esto incluye toda la Sección Oficial y alguna que otra de Perlak, New Directors y Horizontes latinos. Hay varias películas que no hemos podido ver y que por ello no hemos podido valorar para entrar en el ranking, por ejemplo: Roma, Blackkklansman, Capernaum, Viaje al cuarto de una madre o Cold War.
1
poster Petra
Petra (Jaime Rosales, 2018, España)
2
poster First Man
First Man (Damien Chazelle, 2018, Estados Unidos)
3
poster Cold November
Cold November (Ismet Sijarina, 2018, Kosovo)
4
poster The Sisters Brothers
The Sisters Brothers (Jacques Audiard, 2018, Francia)
5
poster Malos tiempos en El Royale
Malos tiempos en El Royale (Drew Goddard, 2018, Estados Unidos)
6
poster Pájaros de Verano
Pájaros de Verano (Ciro Guerra, Cristina Gallego, 2018, Colombia)
7
poster El Ángel
El Ángel (Luis Ortega, 2018, Argentina)
8
poster La Noche de 12 Años
La Noche de 12 Años (Álvaro Brechner, 2018, Uruguay)

66 Zinemaldia, entre la reivindicación del humor y el riesgo en la programación

La gala de inauguración del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ya presagiaba que su 66 edición sería diferente. Y es que este año el Zinemaldi ha innovado, y ha asumido riesgos

La gala de inauguración del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ya presagiaba que su 66 edición sería diferente. Y es que este año el Zinemaldi ha innovado, y ha asumido riesgos, desde el guión satírico y cargado de auto-parodia donostiarra de Borja Cobeaga, Diego San José y Borja Echevarría en boca de una inspirada Belen Cuesta la primera noche del Kursaal, hasta la programación de una Sección Oficial con una diversidad de géneros y estilos poco habitual, pasando por el nuevo diseño de los galardones. Pese a cierto sector crítico tendente a la hipersensibilidad, la jugada le ha salido bien a Rebordinos. Se ha hablado, y se hablará, de esta edición, marcando una tendencia de lo que (ojalá) nos espera los próximos años. Reivindicar, el humor, o cualquier otra causa que lo merezca, es síntoma de una sociedad aún despierta.

Obviamente no podía falta el glamour que acompaña a las estrellas internacionales. Y este año no han sido pocas. A los tres premios Donostia que se han otorgado este año, Danny DeVito, Judi Dench y el director japonés Hirokazu Koreeda (primer cineasta asiático en recibir este reconocimiento), se han sumado las visitas Ryan Gosling, que protagoniza “First Man” – “El Primer Hombre” (Sección Perlas), una película que narra la historia de Neil Amstrong y la misión de la NASA que le llevó a ser el primer hombre en pisar la luna; Robert Pattinson que acudió junto con Juliette Binoche, Mia Goth y la directora Claire Denis a presentar “High Life” (Sección Oficial), que acabó recogiendo el Premio Fipresci de la crítica internacional por esta ciencia ficción ambientada en el espacio donde un grupo de jóvenes convictos forman parte de un experimento científico en contra de su voluntad; Bradley Cooper, que presentó su ópera prima como director, “A Star is Born” – “Ha nacido una estrella” (Sección Perlas – Fuera de Concurso), que protagoniza junto a Lady Gaga; o Chris Hemsworth presentando la película de clausura  “Bad Times at the El Royale” – “Malos tiempos en El Royale” (Sección Oficial – Fuera de Concurso), un thriller sangriento habitualmente más propio de la Semana de Terror o de Sitges (donde por cierto acabó proyectándose también en el último maratón sorpresa) pero que muestra los nuevos terrenos que está dispuesto a explorar el Festival para llegar a un público más amplio.

Robert Pattinson y Mia Goth en la presentación de High Life en 66SSIFF

Robert Pattinson y Mia Goth en la presentación de High Life

Bradley Cooper en la rueda de prensa de A Star is Born en 66SSIFF

Bradley Cooper en la rueda de prensa de A Star is Born

Además de las presencias internacionales, algunos de nuestros mejores actores y directores también han pisado la alfombra roja del Festival. En la Sección Perlas se ha presentado (tras su pase por la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes) una de las mejores propuestas de esta edición, “Petra“, la última película de Jaime Rosales con la que el director trata de reconciliarse con el público pero sin conceder demasiado espacio a los convencionalismos.  La cinta resulta magnética de una forma extraña y agradable a la vez, cargada de giros narrativos y recursos fílmicos que derivan en una trama cada vez más impredecible según avanza el metraje. La protagoniza una Bárbara Lennie en el registro en el que siempre deslumbra, que reconocía que gran parte de los diálogos fueron improvisados, lo que ayudó a la extrema naturalidad de las interpretaciones. También las actrices Najwa Nimri, Eva Llorach, Carme Elías y Natalia de Molina han acudido a San Sebastián para acompañar a Carlos Vermut en la presentación de su esperada nueva película, “Quién te cantará“, que ha cosechado el Premio Feroz a la mejor película de la Sección Oficial, otorgado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España. También en Sección Oficial a concurso se ha presentado “El Reino“, un thriller político dirigido por Rodrigo Sorogoyen que ya pasó por Toronto y en el que destaca, como viene siendo habitual, la gran actuación de un Antonio de la Torre que da vida a un político español involucrado en una trama de corrupción que recuerda demasiado a la triste realidad española de los últimos años. De la Torre presentaba por partida doble en esta edición, ya que también protagoniza “La noche de 12 años” (Sección Horizontes Latinos), coproducción española que ya fue presentada en Venecia y en la que encarna al uruguayo Pepe Mújica durante su cautiverio político, acompañado de otro actor que también defendía dos cintas este año, Chino Darín.

Antonio de la Torre y Chino Darín presentando La Noche de 12 Años en los encuentros TCM

Antonio de la Torre y Chino Darín presentando La Noche de 12 Años en los encuentros TCM

 

El hijo del “Bombita“, otro asiduo al festival que por cierto se encargó de inaugurar el de este año con su comedia romántica “El amor menos pensado” (Sección Oficial), traía “El ángel” (Sección Perlas) después de pasar por Cannes y coproducida por El Deseo (la productora de Pedro Almodóvar, que también se dejó ver por la capital donostiarra), una historia sobre los inicios de Carlos Robledo Puch, el delincuente que más tiempo lleva en prisión en la historia de Argentina, interpretado de manera sobresaliente por el joven Lorenzo Ferro (que sorprendentemente, según él mismo ha comentado, éste ha sido su primer trabajo remunerado).

Pero no sólo por elencos de renombre triunfan las películas. Que se lo digan a Isaki Lacuesta, que con su “Entre dos aguas“, una historia a caballo entre el drama social y el documental, que alguno ha denominado “falsa realidad”, que se sitúa doce años después de “La leyenda del tiempo” y que narra el reencuentro de Isra y Cheíto tras la salida del primero de ellos de la cárcel, ha logrado el reconocimiento de crítica (fue la mejor valorada en la quiniela de El Diario Vasco) y jurado, logrando la Concha de Oro de esta edición.

El equipo de de Entre dos aguas con la Concha de Oro a la Mejor Película en S66SSIFF

El equipo de de Entre dos aguas con la Concha de Oro a la Mejor Película

Siguiendo con el palmarés de la Sección Oficial, la Concha de Plata a la Mejor Actriz ha sido para Pia Tjelta, por su actuación en “Blind Spot“, película rodada en un único plano secuencia en la que la actriz interpreta a la madre de una adolescente durante un trágico accidente. La Concha de Plata al Mejor Actor ha recaído en Dario Grandinetti, por su actuación en “Rojo“, película gran triunfadora esta edición llevándose también los premios a la Mejor Dirección y a la Mejor Fotografía. El premio al Mejor Guión de esta edición ha sido otorgado ex aequo a las películas “L’homme fidèle“, una comedia dramática de producción francesa, y “Yuli“, un biopic del bailarín cubano Carlos Acosta en manos de la directora española Iciar Bollaín.

Fuera de Sección Oficial, el público ha premiado con sus votos en la Sección Perlas al film de animación “Un día más con vida“, de producción polaco-española que narra la cobertura del periodista Ryszard Kapuściński durante la guerra civil de Angola en los años 70, seguido muy de cerca (a tan sólo 1 centésima) de “Capharnaüm“, un drama sobre la infancia del Líbano que ya ganó el premio del jurado en Cannes este mismo año. Por su parte, el jurado joven ha premiado a “Viaje al cuarto de una madre” en la Sección Nuevos Directores, segunda película de la directora Celia Rico protagonizada por Anna Castillo y Lola Dueñas.

Más allá de películas y palmareses, esta edición no ha estado exenta de ciertas polémicas. Y es normal dado el volumen y relevancia que está adquiriendo el Festival año tras año. La primera relativa al insuficiente número de proyecciones reservadas para prensa y acreditados, claramente patente el día que llegaron a estar programadas a la misma hora tres de las películas más esperadas de esta edición (“Blackkklansman“, “The Sisters Brothers” y “Roma“), y que degeneró en un mal clima que provocó alguna situación incómoda en las colas de entrada de los Cines Príncipe. En palabras posteriores del propio director del Festival, sabio reconociendo errores, “la solución pasará por quitar proyecciones del público porque no hay más salas en la ciudad”.

Los famosos tampoco se han librado de cierta queja popular, como la generada por la fugaz llegada de Pattinson al María Cristina dejando con un palmo de narices a las hordas de fans que llevaban horas de espera. Como es habitual, las plataformas digitales también se han visto envueltas en algún pequeño conflicto, como el “embargo” que impuso Netflix a las entrevistas de Alfonso Cuarón, que venía a presentar “Roma” de forma paralela a la organización del Festival. Sin embargo, como público resulta de agradecer la manifiesta voluntad por ambas partes (Festival y Plataformas) por entenderse y seguir madurando un modelo de relación beneficioso para todos a largo plazo. Un ejemplo de ello ha sido la participación en Sección Oficial (fuera de concurso) de la nueva serie de Enrique Urbizu para Movistar+, “Gigantes“, en la que José Coronado interpreta al patriarca de una familia criminal, y que recoge el testigo del gran thriller castizo de los últimos años.

En definitiva, una inteligente combinación de elementos que sorprendentemente se han conjugado a las mil maravillas, desde la heterogénea y atrevida programación de películas (con una potente incursión en el cine de género) hasta el aluvión de estrellas hollywoodienses, pasando por la consolidación de la presencia de las nuevas plataformas digitales, han convertido a la 66 en la mejor edición de los últimos años y que posicionan al Festival a la vanguardia del cine (y de la cultura en general) que está por llegar.

Zinemaldia 2017. El Palmarés certifica el acierto de una Selección arriesgada

El pasado Sábado se clausuraba la 65 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, una edición que ha tenido muy buena acogida y que ha sorprendido por la gran variedad de géneros vistos en su Sección Oficial. Aunque el drama ha sido lo mas repetido (17 de las 26 películas), en la Sección Oficial se han podido encontrar comedias, documentales, “terror” e incluso una cinta de anime Japonés.

De las dos comedias presentadas a concurso en la sección oficial, la mas aclamada por la crítica y la que se ha llevado la concha de oro a la mejor película ha sido “The Disaster Artist“, una película dirigida por James Franco con producción Americana que narra el proceso de realización de la película “The Room“, considerada una de las peores películas de la historia. “The Disaster Artist” relata los problemas del director Tommy Wiseau (interpretado también por James Franco) a la hora de rodar la película y recrea de manera muy exacta las pésimas actuaciones de sus protagonistas, gracias a lo cual ha conseguido las carcajadas de buena parte del público y del jurado. Este premio tiene sus defensores y sus detractores, pero, según palabras de Jose Luis Rebordinos, es muy beneficioso para el festival que una película Americana reciba este galardón porque puede abrir muchas puertas a futuras ediciones.

Concha de Oro a la mejor película “The Disaster Artist” dirigida por James Franco (65SSIFF)

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Crónica de la 64 edición del Festival de Cine de San Sebastián

El pasado 24 de Septiembre se clausuró la 64 edición del Festival de San Sebastián. Una edición con una sección oficial muy potente, muy marcada por la violencia en sus películas (más de la mitad de las películas a concurso contenían escenas violentas) y que en general ha agradado bastante al público de Donostia.

Entre las películas mejor valoradas por la crítica en esta edición se encuentran las españolas. Que dios nos perdone, un thiller ambientado en Madrid de Rodrigo Sorogoyen, ha ganado el premio del Jurado al mejor guión, el premio Feroz otorgado por la prensa, y nos ha regalado dos de las mejores actuaciones españolas del festival: Antonio de la Torre y Roberto Álamo encarnando a dos policías que deben encontrar a un asesino en serie. Otro thriller español que ha conseguido un premio ha sido El Hombre de las mil caras, cuyo protagonista, Eduard Fernández, se ha llevado la concha de plata al mejor actor por su interpretación de Fernando Paesa. Otro de los grandes estrenos españoles, aunque fuera de concurso, ha sido la última película de J.A. Bayona, Un monstruo viene a verme, una película muy sentimental que se llevó una gran ovación el día de su estreno. Dos películas más en la sección oficial tienen sello español: Colossal, de Nacho Vigalondo (aunque con actores y producción extranjera) y La reconquista de Jonás Trueba.

El equipo de Colossal con su director Nacho Vigalondo presentando la película

El equipo de Colossal con su director Nacho Vigalondo presentando la película

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Nuestro #TopFilms2015

 

1 poster Me and Earl and the Dying Girl
Me and Earl and the Dying Girl (Alfonso Gomez-Rejon, 2015, USA)
Sinopsis: La historia divertida y conmovedora de Greg, un alumno de último curso de secundaria que evita toda relación humana profunda como forma de atravesar con seguridad ese terreno minado que es la vida social de un adolescente. De hecho, describe a su mejor amigo, Earl, con quien realiza unos extraños cortometrajes, como alguien ‘más parecido a un colaborador’. Pero cuando la madre de Greg insiste en que le dedique tiempo a Raquel -una chica de su clase a la que acaban de diagnosticar cáncer- Greg descubre la importancia que puede tener la verdadera amistad.
Vista por @adictosaljetlag en la 63 Edición del Festival de San Sebastián
2 Poster Ex Machina
Ex Machina (Alex Garland, 2015, Reino Unido)
Sinopsis: Un programador multimillonario selecciona a Caleb, un joven empleado de su empresa, para que pase una semana en un lugar remoto con el objetivo de que participe en un test en el que estará involucrada su última creación: un robot-mujer en el que inteligencia artificial lo es todo.
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3 Poster ItFollows
It Follows (David Robert Mitchell, 2014, USA)
Sinopsis: Jay, de 18 años, tiene su primer encuentro sexual con su novio en la parte trasera de un coche. Tras el hecho, aparentemente inocente, la situación se pone algo tensa cuando su novio hace que ella se desmaye. Al despertar, el joven le explica que lo hizo para ahuyentar a una serie de espíritus que lo acosan. A partir de ese momento, es Jay quien sufrirá las consecuencias de ese acoso, encontrándose sumergida en visiones y pesadillas; teniendo la sensación de que alguien o algo la observa.
Vista por @adictosaljetlag en circuito comercial
4 Poster Truman
Truman (Cesc Gay, 2015, España)
Sinopsis: Julián recibe la visita inesperada de su amigo Tomás, que vive en Canadá. Los dos amigos, junto a Truman, su perro fiel, compartirán, a lo largo de cuatro intensos días, momentos emotivos y sorprendentes provocados por la difícil situación de Julián.
Vista por @adictosaljetlag en la 63 Edición del Festival de San Sebastián
5 Poster Marte
Marte (The Martian) (Ridley Scott, 2015, USA)
Sinopsis: Durante una misión tripulada a Marte, el astronauta Mark Watney es dado por muerto tras una terrible tormenta y abandonado por la tripulación, que pone rumbo de vuelta a la Tierra. Pero Watney ha sobrevivido y se encuentra atrapado y solo en el hostil planeta rojo. Con suministros escasos, deberá recurrir a su ingenio y a su instinto de supervivencia para encontrar la manera de comunicar a la Tierra que sigue vivo.
Vista por @adictosaljetlag en circuito comercial
6 Poster Sicario
Sicario (Denis Villeneuve, 2015, USA)
Sinopsis: En la zona fronteriza sin ley que se extiende entre Estados Unidos y Mexico, Kate Mercer, una idealista agente del FBI, es reclutada por Matt Graver, un oficial de las fuerzas de élite gubernamentales, para ayudar en la creciente guerra contra las drogas. Liderado por Alejandro, un enigmático consultor con un pasado oscuro, el equipo se embarca en un viaje clandestino que obligará a Kate a cuestionarse todo aquello en lo que cree si quiere sobrevivir.
Vista por @adictosaljetlag en la 63 Edición del Festival de San Sebastián
7 Poster Corazones de Acero
Corazones de acero (David Ayer, 2014, USA)
Sinopsis: Abril de 1945, la guerra está a punto de acabar. Al mando del veterano sargento Wardaddy (Brad Pitt), una brigada de cinco soldados americanos a bordo de un tanque -el Fury- ha de luchar contra un ejército nazi al borde de la desesperación, pues los alemanes saben que su derrota estaba ya cantada por aquel entonces.
Vista por @adictosaljetlag en circuito comercial
8 Poster The Wich
The Witch (Robert Eggers, 2015, USA)
Sinopsis: Nueva Inglaterra en el año 1630. Una familia de colonos cristiana, formada por un matrimonio y sus cinco hijos, vive cerca de un bosque que, según las creencias populares, está controlado por un mal sobrenatural. Cuando su hijo recién nacido desaparece y los cultivos no crecen, los miembros de la familia se rebelan los unos contra los otros. Más allá de sus peores temores, un mal sobrenatural les acecha en el bosque cercano.

Nuestro Top #63SSIFF

 

1 poster Me and Earl and the Dying Girl
Me and Earl and the Dying Girl (Alfonso Gomez-Rejon, 2015, USA)
Sinopsis: La historia divertida y conmovedora de Greg, un alumno de último curso de secundaria que evita toda relación humana profunda como forma de atravesar con seguridad ese terreno minado que es la vida social de un adolescente. De hecho, describe a su mejor amigo, Earl, con quien realiza unos extraños cortometrajes, como alguien ‘más parecido a un colaborador’. Pero cuando la madre de Greg insiste en que le dedique tiempo a Raquel -una chica de su clase a la que acaban de diagnosticar cáncer- Greg descubre la importancia que puede tener la verdadera amistad.
[@adictosaljetlag] La pequeña gran joya de este festival, desestabiliza y enriquece emocionalmente.
2 Poster Truman
Truman (Cesc Gay, 2015, España)
Sinopsis: Julián recibe la visita inesperada de su amigo Tomás, que vive en Canadá. Los dos amigos, junto a Truman, su perro fiel, compartirán, a lo largo de cuatro intensos días, momentos emotivos y sorprendentes provocados por la difícil situación de Julián.
[@adictosaljetlag] Solo los maestros hacen parecer sencillos unos papeles realmente complejos.
3 Poster Sicario
Sicario (Denis Villeneuve, 2015, USA)
Sinopsis: En la zona fronteriza sin ley que se extiende entre Estados Unidos y Mexico, Kate Mercer, una idealista agente del FBI, es reclutada por Matt Graver, un oficial de las fuerzas de élite gubernamentales, para ayudar en la creciente guerra contra las drogas. Liderado por Alejandro, un enigmático consultor con un pasado oscuro, el equipo se embarca en un viaje clandestino que obligará a Kate a cuestionarse todo aquello en lo que cree si quiere sobrevivir.
[@adictosaljetlag] Solo por la escena de la incursión en Ciudad Juarez, ya merece la pena este narcothriller.
4 Poster Amama
Amama (Asier Altuna, 2015, España)
Sinopsis: El caserío representa un mundo antiguo, una forma de vida, sabiduría y valores, que se desvanece ante nuestros ojos. El caserío es familia, un clan que tiene sus raíces en lo mas hondo del conocimiento heredado por siglos. La familia es el lugar donde chocan dos mundos, donde se rompe el cordón entre padres e hijos. Los hijos de Tomas e Isabel experimentan el conflicto entre el mundo antiguo y el nuevo. Cómo vivir en la ciudad sin dar la espalda al caserío, cómo liberarse del caserío sin romper la cadena de conocimiento, cómo elegir su camino sin traicionar a sus antepasados. Amaia, hace frente a esos dos mundos que habitan en ella a través del arte. Para encontrar su camino debe salir del caserío, enfrentarse a su padre, provocar heridas y romper el vínculo. Sólo podrá avanzar si encuentra el modo de convivir con la herencia de sus predecesores. Entre tanto, la abuela observa a todos. Como si su mirada diera sentido a esa mutación, un mundo que se acaba y otro que parece surgir.
[@adictosaljetlag] Aparentemente sencilla, fino retrato de la familia y tradición vasca.
5 Poster Freeheld
Freeheld (Peter Sollett, 2015, USA)
Sinopsis: Basada en un suceso real, la historia de amor de Laurel Hester y Stacie Andrée y su lucha por la justicia. A la condecorada policía de Nueva Jersey Laurel le diagnostican cáncer y quiere dejar su pensión ganada durante años a su pareja de hecho, Stacie. Sin embargo, los funcionarios del condado legisladores, que no ven con buenos ojos la pareja homosexual, conspiran para evitarlo. El detective Dan Wells y el activista Steven Goldstein se unen en su defensa, reuniendo a oficiales de policía y ciudadanos de a pie para apoyar su lucha por la igualdad.
[@adictosaljetlag] Aunque la tachen de telefilme, las actuaciones son conmovedoras.
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